My 20 Favorite Movies Revisited: 2014 Edition.

Como o prometido é devido, partilho convosco o meu novo Top 20. Com a entrada de alguns filmes – face à última edição – não poderia deixar de fazer uma menção honrosa aos seguintes que, por muito que os estime, não conseguiram manter as suas respectivas posições nesta nova listagem: Dog Day Afternoon (1975, Lumet), Jurassic Park (1993, Spielberg), The Night of the Hunter (1955, Laughton), Trzy Kolory: Bialy (1994, Kieslowski) e Scary Movie (2000, Wayans).

E sem mais demoras, começamos do vigésimo lugar até ao primeiro:

#20. La Passion de Jeanne d’Arc (1928, Dreyer)

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#19. Persona (1966, Bergman)

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#18. Brief Encounter (1945, Lean)

Rank in previous Edition: #11

down 7

 #17. Rear Window (1954, Hitchcock)

Rank in previous Edition: #18

up 1

#16. The Lion in Winter (1968, Harvey)

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#15. Dr. Strangelove or: How I Stopped Worrying and Love the Bomb (1964, Kubrick)

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#14. El Laberinto del Fauno (2006, Del Toro)

Rank in previous Edition: #14

no change

#13. Chinatown (1974, Polanski)

Rank in previous Edition: n.a.

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#12. Goodfellas (1990, Scorsese)

Rank in previous Edition: #16

up 4

#11. Seven (1995, Fincher)

Rank in previous Edition: #19

up 8

#10. Vertigo (1958, Hitchcock)

Rank in previous Edition: #7

down 3

#09. Requiem For a Dream (2000, Aronofsky)

Rank in previous Edition: #6

down 3

#08. The Silence of the Lambs (1991, Demme)

Rank in previous Edition: #10

up 2

#07. The End of Evangelion (1997, Anno & Tsurumaki)

Rank in previous Edition: #09

up 2

#06. Before Sunset (2004, Linklater)

Rank in previous Edition: #8

up 2

#05. Lost in Translation (2003, Coppola)

Rank in previous Edition: #3

down 2

#04. Sunset Blvd. (1950, Wilder)

Rank in previous Edition: #05

up 1

#03. Bonnie and Clyde (1967, Penn)

Rank in previous Edition: #04

up 1

#02. Taxi Driver (1976, Scorsese)

Rank in previous Edition: #1

down 1

#01. Mulholland Drive (2001, Lynch)

Rank in previous Edition: #02

up 1

E o #1 é... Taxi Driver (1976, Scorsese)

“São dois pequenos minutos, belíssimos e hipnóticos. Uma cortina de fumo alaranjada camufla a noctura divagação nova-iorquina, sob um som pesado e autoritário, até estarmos olhos nos olhos com um apático Travis Bickle. Escorrer uma suave música jazzy e nightclubish, que começa por se fazer acompanhar por um vidro molhado, e já nos sentimos a andar num veículo melancólico, a uma velocidade simplesmente necessária, deambulante. Já o ambiente soturno está criado quando conseguimos, finalmente, ver a paisagem que discorre para lá dos vidros do táxi, que circula pelas eternas estradas da cidade que nunca dorme - lá fora, tudo é pastoso, sonolento e misterioso, pela beleza das imensas luzes e cores que se escondem no negro da madrugada. E é isto o filme. Uma desgraçada, deprimida e psicoticamente reprimida caminhada pela procura de uma identidade pessoal.”

DiogoF.

http://agentenaove.blogspot.com/ 

Eis que chegamos ao meu filme preferido. Taxi Driver, a obra-prima de um dos grandes cineastas de todos os tempos. Agradeço ao Diogo pela permissão que me deu para utilizar as suas palavras para o texto introdutório. Creio que captam perfeitamente o tom do próprio filme, e eu não conseguiria arranjar melhores palavras para descrever aquela que é uma das minhas cenas preferidas.

God’s lonely man.

Nova Iorque pelos olhos de Martin Scorsese. Uma cidade que tão bem conhece. Scorsese expõe, aqui, a decadência urbana que assola as ruas da Grande Maçã. Someday a real rain will come and wash all this scum off the streets. Enojado pelo moralismo contaminado ao qual é obrigado a assistir todas as noites, enquanto conduz o seu taxi pelas feias ruas de Nova Iorque, Travis Bickle (Robert De Niro) anseia por uma mudança radical no ambiente que o rodeia. Deposita alguma fé no candidato a mayor Charles Palantine, chegando-lhe a transmitir o seu parecer sobre a cidade numa das suas viagens. Travis Bickle. God’s lonely man. É o encontro com uma jovem prostituta (Jodie Foster) que em última instância o faz aperceber o que efectivamente tem de fazer.

My life has taken another turn again. The days can go on with regularity over and over, one day indistinguishable from the next. A long continuous chain. Then suddenly, there is a change.

A mestria de Martin Scorsese é simplesmente impecável. Injectando um profundo nível de detalhe, conhecendo intrinsecamente a solidão e a alienação que Travis sente, Scorsese obtém aqui um verdadeiro diamante. O poderoso argumento assinado por Paul Schrader é subtilmente explosivo. Todo o processo de transformação de Travis Bickle é esculturalmente delineado, tornando Taxi Driver numa verdadeira viagem às profundezas da instabilidade mental humana.

O lendário compositor Bernard Herrmann deu-nos, também, uma banda sonora magnifíca. A suavidade da mesma é um excelente contra-ponto à brutalidade do ambiente no qual Travis se submerge.

Jodie Foster, com apenas 12 anos, demonstra desde cedo o enorme talento nela imbuído. Apesar de estar a interpretar o papel de uma prostituta, a sua naturalidade diante as cameras é impressionante. Mas a verdadeira estrela do filme é o senhor De Niro. Icónico, lendário, magistral, tremendo, fenomenal. Não chegam todos os adjectivos laudatórios do mundo para descrever a verdadeira encarnação de Travis por parte de Robert De Niro. Cada cena é interpretada com tamanho realismo, enorme técnica, com um enorme conhecimento daquilo que a personagem tem de sentir e pensar. O papel assenta De Niro que nem uma luva, e dificilmente conseguiria imaginar outro actor no papel do taxista mais icónico da história do cinema.

Brilhante.

Happy New Year!

Um feliz 2011 para todos vocês que por estas bandas têm passado! Esperamos sempre que o próximo ano seja melhor do que o que passou e este ano não é diferente. Que tenham um 2011 lendário!

Queria também aproveitar para acrescentar que por motivos de constrangimentos temporais, não vou conseguir revelar o número um da lista que tenho vindo a divulgar este ano - ahahah, dito assim parece que ainda falta imenso tempo ("Ishhhh, não como nada desde o ano passado!" / "Não tomo banho desde o ano passado!", random, I know, mas lembrei-me dessas 'piadas' que se dizem por aí, geralmente, nos primeiros momentos do novo ano. Ou então sou só eu que as digo. ahaha). Ok, nevermind.  

Tempo de recapitular:

Que filme sairá no topo dos topos? Brevemente se saberá!

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A happy 2011 for you! Thank you so much for stopping by, and please feel free to stop by again. many times. ahah. We always wish for the next year to be better than the previous, and this year it's no different. May you all have a legendary 2011!

I would also like to add that due to time constraints, I won't be able to unravel el numero uno of the list I've been presenting as of lately, this year - ahaha, putting into these terms it feels like we have a long way to next year ("Eesshhh! I haven't had anything to eat since last year!" / "The last time I took a shower was last year!", random, I know, but I just remembered those jokes that are usually said in the first moments of a new year. Or maybe I'm the only one who says them. Ok, never mind). 

Recap time:

What will come out on Top? Stay tuned!

My 20 Favorite Movies: #02. Mulholland Drive (2001, Lynch)

O número dois já não é nenhum estranho a este blog, uma vez que já falei dele aqui. A obra-prima de David Lynch, Mulholland Drive, ocupa a segunda posição desta contagem, se bem que poderia ocupar a primeira consoante a altura do dia em que me perguntarem qual é o meu filme preferido. Hoje, fica-se por aqui.

Em português? Aqui.

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Number two is no stranger to this blog, as I talked about it a while ago. David Lynch's masterpiece, Mulholland Drive, takes the second position of this countdown, even if it could very well take the number one spot (depending on the day you ask me what my favorite movie is). Today, it remains here.

Having been originally planned as a pilot for a new TV show, Mulholland Drive was rejected. Due to this unfortunate happening, its director chose a different path and decided to gather the necessary funds that would allow him to develop the pilot into a full-length feature that could be shown in theaters. David Lynch, certainly, made the right choice, as the film went on getting a wonderful critic reception, garnered him a nomination for Best Director, and more recently, Mulholland Drive has been constantly crowned as the best film of the decade (2000-2009), topping numerous critics’ lists.

 Notorious by the fact that his movies often explore the themes of surrealism, taking an in-depth look into the world of the subconsciousness, David Lynch kept his trademark and continued to delve deeper in those same themes in this film, perfecting his technique.

Diane (Naomi Watts) moves to Los Angeles in order to pursuit a career as an actress, after winning a jitterbug dancing contest. In an audition Diane falls in love with another actress, Camilla (Laura Harring). Since Camilla is a promiscuous type of girl that bonds with other men and women, jealousy starts to take over Diane. During the shooting of a scene in which both actresses play a part in, Diane notices the intimate relationship Camilla has with Adam (Justin Theroux), the film’s director. In a private party, Camilla and Adam announce their engagement, making Diane blind with rage. In this state of mind, Diane hires a hitman to assassinate Camilla for all the suffering she has been causing her. Solitude, therefore, installs in Diane’s life, haunting her, making her slip into a fantasy world, in a dream, where everything goes accordingly to Diane’s plans. When Diane finally wakes up, she’s consumed by the guilt of her own actions, leading her to commit suicide.

The film’s narrative doesn’t follow a traditional structure, where begining, middle and end appear in a natural order. Its non-linearity grants Mulholland Drive a high order of complexity that requires a great level of attention from its viewer. After all, the movie is a true puzzle. However, the attention to detail that the director injects in the movie and the strong simbolism associated to diverse scenes make Mulholland Drive a truly original piece.

It’s a seductive feature. Its cinematography is exceptional and important to the creation of a mysteriously sensual mood. The original score by Angelo Badalamenti is also in tune with the themes that are approached in this film and plays a vital role in one of the key scenes of the film (the Club Silencio scene. The use of sound in this particular scene is significantly relevant to aid the viewer in deciphering what is going on).

I couldn’t talk about this movie without mentioning the extraordinaire performance by Naomi Watts. Mulholland Drive was her breakthrough movie and the film that opened up all the doors in Hollywood for her to have a stable and steady career (two years later, Naomi Watts would be getting her only nomination for the academy awards to date, for 21 Grams). Here, Naomi Watts displays all her talent by tackling two different characters that are polar-opposite of each other, in a completely natural and believable way. In one hand we have Betty (the “dream” character) – eternally optimistic, determined, humble, talented and noble. On the other, we have Diane (the “real life” character) – vengeful, extremely pessimistic, defeated, lacking talent and pathetic. The way Naomi Watts gives this 180º transformation in such a convincing and precise way is simply admirable. It is, in my humble opinion, the single greatest performance I have ever had the pleasure to witness.

Wrapping up, seeing (preferably, with an open mind) Mulholland Drive is a true journey to the realms of the subconscious, that works both with the reason and emotion of its viewers. Highly recommended.

My 20 Favorite Movies: #03. Lost in Translation (2003, Coppola)

“Lost in Translation revels in contradictions. It's a comedy about melancholy, a romance without consummation, a travelogue that rarely hits the road.”

Richard Corliss

Time Magazine

Não gostei muito do Lost in Translation quando o vi pela primeira vez. Fez-me rir um bocado, mas não o achei nada de especial. “Era só isto?” foi a questão que me veio imediatamente à cabeça no momento em que o tinha terminado. Alguns meses depois a SIC decidiu exibí-lo às tantas da madrugada, pelo que o revi na esperança de que me fizesse adormecer. Pensei que fosse remédio infalível para a minha insónia. Fico contente por ter tido essa insónia.

 Tóquio, Japão. O fantástico hotel Park Hyatt. Bob (tremendo Bill Murray) viaja até ao Japão para filmar um anúncio para a marca de whisky Suntory – “For relaxing times, make it Suntory time.” – pela módica quantia de dois milhões de dólares. Charlotte (Scarlett Johansson) acompanha o seu marido (Giovanni Ribisi) que vai para terras nipónicas fotografar uma nova banda musical. Face aos relativamente longos períodos de ausência do seu marido, Charlotte deâmbula pelo hotel e pelas ruas de Tóquio tentando incutir algum interesse na sua enfadonha estadia. Bob e Charlotte acabam por se conhecer no bar do hotel onde estão hospedados e a partir daí surgirá uma profunda conexão entre ambas personagens.

Será que este filme representa, para as audiências dos dias de hoje, o mesmo que Casablanca representou para inúmeras pessoas na década de 40? Realmente só o tempo dirá, mas gosto de pensar que sim. Lost in Translation caracteriza todas as idiosincrasias da actual geração: O desejo por novas experiências, o fascínio por um mundo altamente tecnológico e fortemente iluminado por néons, o constrangimento derivado do choque cultural decorrente do fenómeno da globalização.

Highlights:

             - O argumento minimalista e a realização effortless, ambos por parte de Sofia Coppola, apenas suportam a expressão “por vezes, menos é mais”. E essa expressão, assenta em Lost in Translation que nem uma luva. Para mim, o ambiente que o filme proporciona é fantasticamente relaxante.

            - Bill Murray e Scarlett Johansson. Murray consegue aqui aquela que é, discutivelmente, a melhor interpretação da sua carreira. Encarregue de ser a alma e o coração do filme – uma vez que o papel foi escrito propositadamente para ele, sendo que caso o tivesse rejeitado, não estaria hoje a escrever este texto – Bill Murray alia a comédia à melancolia de uma forma sublime, com uma grande mestria. Scarlett Johansson, que tinha apenas 19 anos na altura em que filmou Lost in Translation, transparece um grande à vontade diante das camâras, uma grande naturalidade e uma subtileza impressionantes.

            - Diversas cenas. A do Lip My Stockings é hilariante, a rodagem do anúncio também. A festa do karaoke e a consequente viagem de taxi de volta ao Hotel, altura em que “Sometimes” dos My Bloody Valentine serve de banda sonora. Todas as cenas que envolvem Anna Faris (haverá mulher mais cómica em Hollywood? Acho que não). O final agridoce.

            - A fotografia. Acontece que considero Lost in Translation ser um excelente cartão de visita do Japão. Eu bem sei a vontade com que fico de visitá-lo sempre que revejo este filme (hm. Deveria considerar o Hotel Park Hyatt enquanto Product Placement para a minha tese. Ahah)

            - A banda sonora. So fuckin’ great.

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I didn’t enjoy much Lost in Translation on my first viewing. It made me laugh in some bits but by the end of it I didn’t thought I had seen something truly special. “That’s it?” was the question that immediately sprung to mind after I was done with it. A couple of months later, Lost in Translation aired on a TV channel at a relatively late hour. I decided to re-watch it as I was having trouble in sleeping that night. I thought it would be the perfect cure for my insomnia. I’m glad I had that insomnia.

Tokyo, Japan. The fantastic Park Hyatt hotel. Bob (Bill Murray) makes a trip to Japan in order to endorse Suntory’s whisky – “For relaxing times, make it Suntory time.” – for two million dollars. Charlotte (Scarlett Johansson) accompanies her husband (Giovanni Ribisi) who goes to Tokyo to shoot a fresh new band. To avoid the long periods of her husband’s absence, Charlotte wanders through the hotel and through the streets of Tokyo to inject some interest in her boring stay. Bob and Charlotte wind up  meeting in the hotel’s bar lounge and they quickly establish a deep connection.

Does Lost in Translation represent the same thing Casablanca did for countless people during the 40s? Only time will tell, but I like to think it does. Sofia Coppola’s film embodies and defines all the idiosyncrasies of a generation: The desire of new experiences, the delight for a highly technological world bathed by neon lights, the awkwardness derived from the culture clash resultant of the globalization phenomenon.

 Highlights:

            - The minimalist and effortless approach to the scrip and the direction are a perfect practical example of the saying “sometimes, less is more”, and that expression simply fits Lost in Translation like a glove. From where I’m standing, this film’s mood is extremely relaxing.

            - Bill Murray and Scarlett Johansson. Murray delivers here what can be considered, arguably, his finest hour. He has to carry the weight of the film on his shoulders. He has to be the film’s heart and soul – his role was actually written for him, so had he rejected it, I wouldn’t be writing this text today – and Murray mixes up comedy with melancholy in a decisively subtle manner. On the other hand, we have a 19 year old Scarlett Johansson delivering a very organic, subtle and natural performance.

            - Many scenes: The Lip My Stockings! scene always makes me laugh so hard, and so does the scene revolving the commercial shooting. The karaoke party and consequent taxi ride back to the hotel, where My Bloody Valentine’s “Sometimes” kicks-in. Every scene with Anna Faris (Is there a funnier woman in Hollywood? Don’t think so). The bittersweet ending.

             - The cinematography. Gorgeous shots of Park Hyatt. Beautiful landscapes and the depiction of Tokyo only makes me want to visit Japan more with each viewing (hm. I should consider Park Hyatt Hotel as a product placement for the purposes of my thesis! Ahah)

            - The soundtrack. So fuckin’ great. 

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My 20 Favorite Movies: #04. Bonnie and Clyde (1967, Penn)

Aquém do Top 3 ficou a revolucionária obra de Arthur Penn, Bonnie and Clyde. Após o lançamento deste filme, o cinema nunca mais foi o mesmo. Aqui podem ler os meus breves pensamentos sobre o fantástico filme que retrata um dos mais emblemáticos casais de ladrões da história americana.

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Bonnie and Clyde is a true landmark in Cinema's history, making deep impact changes on the way films were made in North America. Opening the gates of violence to mainstream crowds, it is possible to say that many other films would not be what they are today, if it weren't for Arthur Penn's Bonnie and Clyde. (The Godfather, I'm looking at you. eheh).

What can I possibly say about this film? Well, it has an extremely strong and effective direction, the performances are fantastic all across the board, the cinematography captures the essence of Southern and Midwest America, and the editing makes the movie flow seamlessly.

My biggest qualm towards it would be the soundtrack. I do feel that some scenes would benefit with the absence of a music score, enhancing their impact. When I'm watching the movie, and specifically in a couple of scenes that have a score in the background, the image of a hillbilly playing banjo with his feet immediately springs to my mind which, may I add, is not exactly the nicest mental image one can have. ahah.

However, and taking into account the era that the movie depicts, the soundtrack captures and reflects the culture of those specific areas in the US. So, by staying in line with the themes explored in the film I can't help to not stay mad at it.

"We Rob Banks."

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My 20 Favorite Movies: #05. Sunset Blvd. (1950, Wilder)

No quinto lugar encontra-se a fantástica sátira e obra-prima de Billy Wilder Sunset Blvd. Daquilo que já vi de Billy Wilder, posso afirmar que é bem provável que ele seja o único realizador cujos filmes caiem sempre nas minhas boas graças. Até hoje ainda não vi um único filme dele que não gostasse (o Double Indemnity é soberbo, o Ace in the Hole é extremamente completo, o Sabrina é uma pequena pérola, o Stalag 17 é exímio na sua abordagem aos campos de concentração da segunda grande guerra, e adiante).

O Sunset Blvd. foi o primeiro grande clássico que vi quando começei a debruçar-me seriamente sobre o mundo do cinema, e cativou-me imediatamente desde a primeira narração, desde a primeira cena. A imagem do cadáver de Joe Gillis a flutuar numa piscina surge como o ponto de partida para um enredo brilhante, capaz de captar a atenção de qualquer um.

 Joe Gillis (magistralmente desempenhado por William Holden), cínico argumentista de Hollywood, já viu dias melhores na sua vida. Sem sucesso na sua profissão e com o acumular de dívidas, Joe começa a ser pressionado para repor o que deve. Tentando fugir dos credores que o apoquentam, ele encontra na famosa Sunset Boulevard o refúgio perfeito para se esconder – uma velha mansão, pertencente à antiga estrela do cinema mudo Norma Desmond (Gloria Swanson, num dos grandes papéis do cinema). No primeiro encontro entre Joe e Norma, ele reconhece-a:

“You're Norma Desmond. You used to be in silent pictures. You used to be big.”

Norma prontamente responde:

“I am big. It's the pictures that got small”.

É esta natureza lunática de Norma Desmond que a impele a vingar novamente no mundo do cinema mas desta vez ocupando as posições de actriz principal e a de argumentista (um pequeno indício da tremenda vontade que ela tem de voltar a estar nas luzes da ribalta. Norma acredita piamente que a inclusão de diálogo nos filmes veio destruir a qualidade dos mesmos: “We didn't need dialogue. We had faces!”, pelo que o facto de estar a contribuir para a concretização de um filme falado que a catapultasse novamente para o estrelato supera todo e qualquer preconceito que ela possa ter relativamente às evoluções que o cinema sofreu).

Joe Gillis: I didn't know you were planning a comeback.
Norma Desmond: I hate that word. It's a return, a return to the millions of people who have never forgiven me for deserting the screen.

Joe começa a colaborar com a antiga actriz no seu guião e daí surge uma relação doentia. Completamente obcecada com antigo estatuto de celebridade, a solitária, narcisista e egocêntrica Norma impõe-se a Joe dando-lhe aquilo que ele não tem: dinheiro. Querem mais? Vejam o filme! Ahah.

As várias passagens que coloquei ao longo deste post não são meramente indicativas, nem têm o único propósito de contextualizar a natureza das personagens. Servem sim para ilustrar aquele que considero ser o melhor argumento jamais escrito. Um enredo empolgante, diálogos fascinantes, personagens e frases icónicas. O argumento de Sunset Blvd. tem tudo isso. A forma de como assistimos à progressiva descida à demência por parte de Norma Desmond é um verdadeiro exercício em como escrever boas histórias. Aliás, não deve ser por acaso que sempre que oiço a expressão “Já não se fazem filmes como antigamente” o Sunset Blvd. é o primeiro filme que me vem à mente. É verdadeiramente uma grande obra.

“All right, Mr. DeMille, I’m ready for my close-up”

My 20 Favorite Movies: #06. Requiem For a Dream (2000, Aronofsky)

Aproximamo-nos a passos largos do número um, portanto deixo-vos aqui o filme que ficou bem perto de figurar o Top 5.

We're getting closer and closer to number one, so I'm going to leave you here the movie that just missed the cut for the Top 5.

My 20 Favorite Movies: #07. Vertigo (1958, Hitchcock)

Eis o número sete, apresentado sobre um novo formato: 10 Frames Edition!
Here we have it folks. Number seven on the list presented with a new format: 10 Frames Edition!